Ears And Eyes

Ohne Zweifel ist Mikhail Simonyan ein Name, den es sich zu merken lohnt. Die Tatsache, dass Simonyan wie Maxim Vengerov in Novosibirsk geboren wurde, spielt dabei wohl noch die geringste Rolle. Ebenso, dass er seine Geigenausbildung im Alter von fünf Jahren begann und mit 13 sein internationales Konzert-Debüt feierte.

Doch was ihn zu diesem Ausnahmetalent macht, ist sein Debütalbum „Two Souls“, auf dem Mikhail Simonyan eben jene überbordende musikalische Fantasie, künstlerische Abenteuerlust und interpretatorische Experimentierfreude an den Tag legt, für welche die großen Namen russischer Geiger bis heute stehen. Gemeinsam mit Dirigent Kristjan Järvi versöhnt „Two Souls“ mit seinen zwei Violinkonzerten so scheint's das Russland des Armeniers Aram Chatschaturian mit dem Amerika Samuel Barbers.

Auf diese Weise wird aus der musikalischen Verbindung zweier Kontinente eine Wanderung zwischen den zwei Welten und zwei Seelen Mikhail Simonyans auf der Suche nach seiner wahren Heimat. Letztendlich auf der Suche nach seiner Identität. Simonyan erklärt diese eigentümlich fesselnde Faszination, die von seinem Spiel ausgeht, mit den Worten: „Ich bin halb Armenier, halb Russe, ich habe in Amerika gelebt, nun lebe ich in Berlin. Aber meine wahre Heimat ist die Bühne.“

Schilflieder ist ganz und gar der deutschen Romantik gewidmet. Das Repertoire für Oboe ist – ebenso bekanntermaßen wie bedauerlicherweise - überschaubar und eher eine terra incognita. Bei genau diesem seinem neuen Album aber hat Albrecht Mayer, der bislang viele Werke für Oboe aus eben jenem Mangel an Originalkompositionen transkribieren ließ, ausschließlich explizit für Oboe komponierte Stücke aufgenommen und dabei einige Schätze dem Dunkel des Vergessens wieder entrissen. "Mir war das sehr wichtig", sagt er, "es war für mich an der Zeit, den Leuten zu zeigen, dass es gute Musik gibt, die original für die Oboe geschrieben wurde."
Als Mitstreiter standen ihm zwei großartige Kolleginnen zur Seite, die Bratschistin Tabea Zimmermann und die Hornistin Marie-Luise Neunecker, sowie sein langjähriger Kammermusikpartner, der Pianist Markus Becker. "Wir sind wie ein richtiges altes Ehepaar: empfinden gleich, müssen nicht mehr reden, sind total aufeinander eingespielt und inspirieren uns."
Allen Stücken gemeinsam - von August Klughardts "Schilfliedern", über Robert Schumanns "3 Romanzen" und Heinrich von Herzogenbergs "Trio für Oboe, Horn und Klavier" bis hin zu den Werken von Komponisten des 20. Jahrhunderts, Hans Steinmetz und Julius Weismann und der Improvisation Markus Beckers - sind die romantischen Stimmungsbilder in der Musik aus gut 100 Jahren Musikgeschichte.

Konzert-Tipp: Am 21. März 2012 spielt Albrecht Mayer zusammen mit Tabea Zimmermann, Marie-Luise Neunecker und Markus Becker ein Konzert – mit dem Albumprogramm - im Französischen Dom in Berlin.

Miloš Karadaglić ist ins Aufnahmestudio gegangen, um mit „Mediterráneo“ mehr als nur sein CD-Debüt einzuspielen. Mit der Programmauswahl wollte er die Vielfalt der musikalischen Klangwelt festhalten, in die er hineingeboren wurde. Es ist der Mittelmeerraum mit seinen unterschiedlichen kulturellen und damit auch musikalischen Spuren. Und natürlich beginnt Karadaglić seine Klang-Reise zunächst in dem Mutterland der klassischen Gitarre, in Spanien. Neben mal empfindsamen, mal virtuosen Stücken von Enrique Granados, Isaac Albéniz und Francisco Tárrega hat Karadaglić auch eine orchestrierte Fassung von der spanischen Romanze „Jeux Interdits“ eingespielt, die der Gitarrist Narciso Yepes vor einem halben Jahrhundert zu einem Welthit gemacht hatte. Von der iberischen Halbinsel bricht Karadaglić dann zu einem Abstecher nach Griechenland auf. Zu dem Jahrhundertkomponisten Mikis Theodorakis, von dem er zwei elegische Abschiedsgesänge ausgewählt hat. Und mit der 1985 vom Italiener Carlo Domeniconi komponierten Suite „Koyunbaba“ ist Miloš endgültig angekommen - in seiner an der Adria-Küste gelegenen Heimat, wo er 1983 geboren wurde. „Das Meer ist für mich die größte Inspiration überhaupt“, so Miloš. „Die Sonne, das Wasser, die Wellen.“ Die herzerwärmenden Brisen, das glitzernde Farbenspiel, aber auch die mitreißende Wildheit – all das entlockt nun Miloš Karadaglić seinem Instrument. Damit offenbart er nicht nur die unvergleichliche Schönheit und überhaupt das wahre Wesen der klassischen Gitarre. In seinen Händen liegt ab sofort ihre ruhmreiche Zukunft.

Im Jazz war sie schon immer gang und gäbe: die Adaption von Popsongs, etwa vom Walt Disney-Lied "Some Day My Prince Will Come" (aus  "Schneewittchen"). Bis vor kurzem war so etwas in der Klassik ein absolutes Tabu. Bis in unsere demnächst zu Ende gehenden Nullerjahre stand sie bombenfest: die Mauer zwischen so genannter E- und U-Musik. Noch in den wilden 1968ern untermauerte sie der Kulturphilosoph Theodor W. Adorno. Adorno sprach der "Unterhaltungsmusik" jedweden "Sinnzusammenhang" ab, sah sie nur als "Reizquelle", als "zerstreuenden Komfort". Heute eine kuriose Einschätzung. Warum sind Mozart und Puccini "ernste Musik" und Tom Waits oder Solomon Burke aber nicht? Anders herum: Bedeutet das Wort "Unterhaltung" (etymologisch) nicht gar: etwas erhalten, andauern lassen. So wie Kulturetats die Opern in Deutschland unterhalten. Also bitte, wie es Kurt Weill einmal weise vorschlug, nur zwischen guter und schlechter Musik unterscheiden: G- und S-Musik. Die Vermählung, Fusion von Klassik und Pop sah man im deutschen Feuilleton bisher weitgehend als S-Musik, man echauffierte sich darüber wie Feministinnen über arrangierte Zwangsehen. Zugegeben, die Liaison endete oft fatal, gar manche verrockte Symphonie schuf dem Genre ein schlechtes Image.

Wie groß ist dagegen gerade der Konsens beim neuen Album des Fauré Quartetts. Auf "Popsongs" haben die Kammermusiker 13 Popsongs bearbeitet, von Ryan Adams oder N.E.R.D., von Feist, den Beach Boys oder den Pet Shop Boys. 13 Genre-Sprünge ohne Hänger sind ihnen dabei gelungen. Im deutschen Feuilleton gilt die Sammlung bereits als Pop-Klassik 2.0. Deutschlandradio Kultur machte "Popsongs" kürzlich zur CD der Woche. "Ein abwechslungsreiches Album, das nie auseinanderfällt - dafür sorgt das Fauré Quartett mit gewohnter Professionalität und Spielfreude", schreibt ZEIT-Online. "...weder verquerer Feuilletonisten-Kitsch, noch Coffeetable-Hintergrundmusik", erklärt Christoph Dallach auf Spiegel-Online. "Wer die Vorlagen kennt, wird staunen, wer nicht, wird auch seinen Spaß haben."|Die Latte hing hoch beim Fauré Quartett. Das Ensemble, ausgezeichnet mit einem ECHO und einem Preis der Deutschen Schallplattenkritik, steht in den Klassikcharts öfter mal auf Augenhöhe mit Star-Solisten wie Anna Netrebko oder Anne-Sophie Mutter. Keine Selbstverständlichkeit beim vergleichsweise anspruchsvollen Repertoire, den filigranen Kammermusik-Arrangements des innovativen Klavier-Quartetts. Regie beim neuen Album führte der deutsche Produzent Sven Helbig, bekannt durch seine Rammstein-Adaption "Mein Herz Brennt" mit den Dresdner Sinfonikern, neben seiner Arbeit mit Polarkreis 18 oder Snoop Dogg. Ein entschiedener Eklektiker, ein Weillianer, wenn man so will, der das Fauré-Album allerdings mit Samthandschuhen anfasste, sich bei der Songauswahl bewusst fernhielt von den Hauptstraßen der Popgeschichte, Abstand nahm von Nr-1-Smashern und Evergreens. Songs vermied, bei denen man zuerst an die Epoche denkt, in der sie liefen. Helbig widerstand der Versuchung, Popsongs durch Klassikbearbeitung zu adeln, machte kein Crossover, sondern strebte eine Transformation an. In der Bearbeitung wird das Material zum uneingeschränkten Eigentum des Fauré Quartetts egal ob A-ha oder John Cale. Lächelnd schauen auf dem Album sich Klassik und Pop tief in die Augen, findet da endlich Mal eine ernst gemeinte Annäherung statt?